Quand les créateurs de la saga givrée de l’Âge de Glace s’attaquent à la littérature américaine, cela donne Horton. Adapté d’une nouvelle pour enfants du Dr Seuss, un auteur mythique aux Etats-Unis au même titre que Jean de La Fontaine chez nous, ce long-métrage d’animation nous entraîne dans les aventures d’un héros aux dimensions épiques qui se la joue Jeanne d’Arc. En effet, dans la jungle bigarrée de Nool, notre éléphant entend des voix semblant émanées d’un grain de poussière. Convaincu qu’une véritable communauté y vit, il se met en quête de trouver un coin sûr pour protéger  cette ville microscopique, en dépit des recommandations de la hautaine Madame Kangourou et de son sbire, Vlad le vautour. Graphiquement somptueux, la nouvelle création des studios BlueSky est une franche réussite. Fort d’une animation de grande qualité, qui dépasse sans peine celle de Shrek et qui arrive à se comparer aux sommets de Pixar, Horton est un régal pour les yeux.

Les décors colorés et riches en détails, sont un cadre parfait pour les aventures résolument cartoons de notre éléphant, doublé en VO par Jim Carrey en grande forme qui retrouve, après le Grinch, un personnage du Dr Seuss. Steve Carell quant à lui, donne vie au Maire de Zouville, en lui prêtant sa voix très animée.Les animateurs s’en sont donné à cœur joie et leurs délires sont hilarants, à l’image d’une séquence totalement barrée rendant hommage aux codes du manga. On retient aussi des scènes exquises, qui muscleront vos zygomatiques sans pour autant en faire des tonnes, à l’instar de la traversée dantesque du pont aux conséquences directes sur le Maire de Zouville en visite chez le dentiste. Des situations cocasses et des gags efficaces que n’aurait pas renié Chuck Jones ou Tex Avery.Horton offre un divertissement haut de gamme et haut en couleurs. Il confirme la place de choix qu’occupe les studios Blue Sky dans l’industrie de l’animation. On attend désormais avec une plus grande impatience, l’Âge de Glace 3 prévu pour 2009. Dans les salles le 2 avril 2008.

Ça y est ! J’ai enfin vu l’Orphelinat, le phénomène cinématographique de l’année en Espagne. Il m’a fallu le temps pour aller le découvrir en salles car je ne voulais pas aller voir ce film seul. Malgré les avis positifs qui m’ont été rapportés, j’ai surtout retenu les avertissements envers le potentiel effrayant de l’œuvre (n’est-ce pas Brice ?). Comme le hasard fait bien les choses, Poka, fraîchement UGCisée, avait aussi envie de le voir. Deux ou trois SMS après, nous voilà plongés dans le noir pour découvrir la dernière production de Guillermo Del Toro. Si ce dernier n’en est que producteur, il est indéniable qu’il partage avec le réalisateur Juan Antonio Bayona, un goût prononcé pour le mélange du cinéma horrifique et de poésie comme il l’avait illustré sur le Labyrinthe de Pan. Dans l’Orphelinat, Laura revient vivre avec sa famille dans l’établissement où elle a grandi, dans lequel elle projette d’inaugurer un centre pour jeunes handicapés. Son fils Simon ne tarde pas à entrer en contact avec des amis imaginaires avant de disparaître mystérieusement…

De ce synopsis, le cinéaste espagnol nous entraîne de main de maître dans une intrigue ficelée et éprouvante pour les nerfs. Les tourments de l’héroïne, magistralement portée par Belén Rueda,  face à la disparition de son fils et aux phénomènes surnaturels sont propices à des scènes d’effroi particulièrement efficaces. Mais point de surenchères de gore débile à la Saw ici, Bayona mise plutôt sur la subtilité soulignée par un montage intelligent dont la scène de la médium est une parfaite illustration. Le scénario nous tient en haleine en abordant des thèmes pertinents et murs, malgré quelques longueurs vers le milieu du film, jusqu’à un dernier acte survolté où culmine un final tout bonnement magnifique. Un concentré de poésie qui contraste avec le glauque et le sordide de ce qui se passe dix minutes avant. Dommage qu’un épilogue inutile avec le mari vienne alourdir ce climax idéal. Pour une première réalisation, Bayona signe une œuvre incontournable que l’on ne devrait pas limiter au genre horrifique.

Entre les succès d’Alfonso Cuaron (Les Fils De L'Homme, Harry Potter Et Le Prisonnier D'Azkaban), Guillermo del Toro (Le Labyrinthe De Pan, Hellboy) ou d’Alejandro Gonzalez Inarritu (Babel), les réalisateurs hispaniques sont résolument en vogue à Hollywood. Remarqué par Almodovar, Alex De La Iglesia veut sa part du gâteau et s’essaie à son premier long-métrage dans la langue de Shakespeare. Avec en tête d’affiche le perçant Elijah Wood et John Hurt, et un synopsis digne des plus palpitantes enquêtes d’Hercule Poirot, Crimes à Oxford laisse pourtant une impression mitigée. Wood incarne un jeune étudiant américain en algèbre, sûr de lui et de sa perception de la réalité, débarquant à Oxford pour y rédiger sa thèse avec l’aide, il l’espère d’un éminent professeur joué par Hurt. Pas de chance, il retrouve la vieille dame qui l’hébergeait assassinée. Commence alors une enquête qui révèlera au jeune homme que les choses, contrairement aux mathématiques, ne sont pas toujours ce qu’elle paraissent.



Le synopsis à la Agatha Christie, le cadre gothique d’Oxford, le casting alléchant, il y avait le potentiel pour en faire un grand thriller épique. Pourtant, l’intrigue ne décolle jamais vraiment et la réalisation reste très (trop) classique. Les comédiens sont par ailleurs convaincants, Elijah Wood en tête qui parvient à nous faire oublier Frodon et son Anneau. John Hurt frise le surjeu mais finit par habiter son personnage et l’alchimie entre les deux générations est réussie. Seulement, il y a le scénario qui au fur et à mesure qu’il progresse devient aussi tiré par les cheveux que les yeux d’Elijah sont bleus. Nourri d’interminables dialogues et de réflexions sur les chiffres qui déconcertent plus qu’ils n’interpellent, le film se termine par un twist final pas vraiment formidable. Un vague « Tout ça pour ça » nous traverse l’esprit alors que le générique défile sur l’écran. Un bilan mitigé pour ce premier essai hollywoodien du cinéaste espagnol, qui trouve son salut dans l’interprétation enthousiasmante de ces acteurs. Dans les salles le 26 mars 2008

Le pourquoi du comment le suffixe « av. J.C » n’a pas été gardé dans le titre français demeure un mystère. Alors qu’en VO, le film arbore le titre « 10 000 BC (Before Christus) », les distributeurs français ont préféré ne garder que le chiffre. 10 000 quoi ? 10 000 mammouths ? 10 000 heures ? C’était peut-être pour surfer sur le succès de 300… Vous me direz que c’est un sujet bien futile, mais le fait est qu’il n’y a vraiment pas grand chose à dire sur le contenu du film. Je n’ai tout simplement rien vu d’aussi stupide au cinéma depuis le début de l’année 2008 (après JC). Historiquement hérétique, le nouveau film de Roland Emmerich (Independance Day) se présente comme une aventure préhistorique où un jeune chasseur part à la rescousse de la femme qu’il aime, enlevée par des seigneurs de guerre. Tout d’abord, soulignons les dreadlocks parfaitement filés du héros, sa barbe taillée au millimètre près et ses pectoraux bien épilés. D’emblée, la crédibilité en prend un coup.



Le jeu d’acteur est convenu, pas convaincant pour un sou. Il reste la beauté de Camilla Belle, plus connue pour prendre un café avec Georges Clooney dans la pub Nescafé. Mais à part sa plastique, on a envie de dire … what else ? En même temps, on sent une direction d’acteurs totalement inexistante, le cinéaste préférant se concentrer sur ses effets visuels et ses scènes d'action (qui restent efficaces pour quelques unes d'entres elles). Il faut dire que les mammouths, tigres aux dents de sabre (qu’on ne voit que deux misérables minutes alors qu’il est sur toutes les affiches) et autres créatures préhistoriques sont plutôt bien reconstitués, mais les effets visuels en général sont ratés (les incrustations sur fonds verts sont dégueulasses !). Tous les clichés du genre sont réunis,  l’intrigue est cousue de fils blancs et est ultra prévisibles (le môme qui vengera sa mère etc…).  Le film frôle le plagiat dans sa trame en s’inspirant allègrement de l’Apocalypto de Mel Gibson, 10 000 fois plus réussi et efficace que ce film creux et sidérant.

Dany Boon et ses Chtis prouvent que l’on peut proposer au public une comédie populaire réussie sans tomber dans le «m’as-tu-vu » indigeste gaulois. Pour sa deuxième réalisation, le comique réussit à dresser un portrait un brin caricatural mais tout de même très juste de ses compatriotes du Nord. Muté de force dans une petite bourgade du Nord-pas-de-Calais, le personnage de Kad Mérad va devoir tant bien que mal s’accoutumer aux mœurs locales, pas faciles d’accès à première vue. Et c’est dans ce second acte de la découverte de la culture Chti qui clashe avec le caractère du Sud, que l’on rigole le plus. A coups de dialogues finement écrits mais volontairement inaudibles dans la bouche des Chtimis, source de quiproquos amusants, le film parvient à nous faire rire de bon cœur. Les personnages et leurs enjeux sont assez bien développés, malgré une dernière partie relativement expédiée. La mise en scène est hélas des plus sobres. On aurait aimé un peu plus de folie pour souligner les délires du casting au demeurant très talentueux, aussi bien les premiers que les seconds rôles (ouh ! et la copine de Dany Boon a de ses lèvres ! ! !). Seule Line Renaud dénote avec un jeu et un accent trop forcés. Au final, cette incursion chez les Chtis est des plus agréables. Sans prétention autre que de faire passer un bon moment… c’est tout à son honneur.